SHO Trío nació de la química musical entre Sandra Cuevas y Juanjo López; en un inicio fueron los estándares de jazz que compartían en la vieja casona de la Escuela Superior de Música, en donde ambos estudiaban jazz. Poco a poco, en aquellas tardes donde compartían la música, crearon un universo común que se tradujo en las primeras canciones compuestas por ambos. El amor, los sueños, la infancia y la visión de una realidad que puede transformarse desde uno mismo se mezclaron con colores de jazz, líneas de un rock/pop sugerente, atmósferas con nostalgias de folk que cobraron una fuerza y una frescura especial cuando Hernán Hecht se integró al proyecto, con todo su equipaje musical en mano. El Sho Trío comenzó su marcha hacia distintos foros de la Ciudad de México y del interior de la República.
El trío acaba de terminar su primer disco llamado Temporal, bajo la producción de Alex Cuevas, y con Aarón Cruz como invitado distribuido por Intolerancia y Mapamondo.
La banda se ha presentado en foros como El Bataclán, El Vicio, Foro el 81, El Capricho, Centro Budista de la Ciudad de México, Centro Cultural España, Festival de Jazz de la ESM, DIM, y el Festival Internacional de Cultura de Aguascalientes.
Tracklist: 1 Carreta de Sueños 2 Un canto de afoxé para o bloco do ile 3 Coquivacoa 4 Enlunarada 5 Tal como el agua 6 Casamiento de negros 7 Nelson Mandela 8 Arigua 9 La voz del trueno 10 Cometa de la farola 11 Bereléle-Gavilán 12 Flecha Verde 13 Tamatzi 14 Tígeres 15 Cantos doblados-Olé-Tres Clarinetes
1 Jarabe Pianito (Folk. Juchitlán) 2 Canción de los Hombres Perdidos 3 La mujer Cala calaca La guerra 4 La Maja Dolorosa 5 Arauco 6 Llorar el Hueso 7 Vasija de barro 8 Bien Añosa 9 El Huerto 10 Enciendan una vela 11 Casamiento de negros Katira 12 Canción a los Hombres Perdidos Nacemos 13 Juárez Blues Balada de Güije 14 Funk-Neraria Cerró sus ojitos Cleto Soldado muerto 15 Cantujaba el Venezoniche 16 Manuel del Vecindario Cueri-Cuericuá 17 Katira Tres Trompeteros 18 En vain pour eviter 19 La vela Cara común 20 El muñeco Atásquense ´ora que hay lodo 21 Bascabullas 22 La mujer Retirada 23 Valona de la tragediosa en el Carrizal 24 Cala calaca
Enrique Nery Conservatorio Nacional de Música. De 1957 a 1960. Carrera de Piano (Incompleta) Maestros: Aura Pacheco, Carlos Jiménez Mabarak, Rodolfo Halfter, etc.
A partir de los 12 años de edad, pianista de orquestas como las de Chuck Anderson, Luis Arcaraz, Pablo Beltrán Ruiz, etc.
Músico de Estudio a partir de 1963: grabaciones con Pedro Vargas, Armando Manzanero, Marco Antonio Muñiz, etc.
Arreglista de cantantes como José José, Eugenia León, Guadalupe Pineda, Vikki Carr, etc.
Director musical de figuras como: Luis Miguel, Monna Bell, Carlos Lico, Emanuel, etc.
Productor artístico en discos de: Gualberto Castro, María, Elizabeth Meza, etc., y del DVD: México a través de sus regiones.
Como jazzista, ha actuado con: Justo Almario, Abraham Laboriel, Oscar Stagnaro, Clarence Penn, entre otros.
Bajo su propio nombre ha grabado los siguientes discos:
-The New Mexican Sound of Enrique Nery -Perseverancia. Dueto Nery/López -Contrastes -Ambiance -From Mexico to the World -Solo Sessions - Mexicanista -¿Quién eres tu? - Piano a Solas
Su participacion en diversos festivales de jazz es siempre requerida. se pueden mencionar, entre muchos otros, el de la ciudad de mexico, duos y trios en la sala nezahualcoyotl de la unam, jazz plaza de la habana, los mejores pianista de jazz, iberjazz '98, festival acapulco, asi como los festivales de este genero organizados por el instituto nacional de bellas artes, el consejo nacional para la cultura y las artes y el instituto de cultura de la ciudad de Mexico.
Tracklist: The More I See You La Feria de las Flores Thought to Mariana Getting Sentimental Medley Legrand Acrisolado Con Boina y Bastón Suite a Solas Allá en la Bufa Clausiano The Saddest Winter Vals Antiguo (como ayer, como hoy)
En 1990, surge en México el dúo del pianista Enrique Nery y el guitarrista Cristobal López.
Esta formula: “piano-guitarra”, se presenta por primera vez en México, como resultado de la necesidad de expresión musical de estos dos músicos: necesidad que los ha llevado a plantearse no solamente el reto musical que esto implica, sino también el deseo de presentar su música original.
La combinación en el jazz de piano y guitarra es muy poco común. Se recuerdan proyectos de grabación en forma, realizados por Bill Evans y Jim Hall; Oscar Peterson y Pass en vivo; en otra latitud César Camargo y Helio Delmiro y recientemente el dúo de John McLaughlim y Katia Labeque.
El Dúo Nery-López ha realizado diversas presentaciones en centros culturales y universitarios de nuestro país. Desde enero de 1991, se vienen presentando en un club de jazz de la Ciudad de México en forma permanente.
En 1991, el Dúo Nery-López compartió el escenario con el estupendo trompetista norteamericano Freddie Hubbard. Algunos meses después, el Dúo es invitado para abrir el primer concierto realizado en México por la cantante Diane Schuur. La crítica especializada calificó el trabajo de Nery-López, como de la más alta calidad, extraordinario.
En junio de 1992 se presentan en diversos clubes de jazz de Los Angeles, California, alternando con músicos de jazz de prestigio internacional como Abraham Laboriel y Justo Almario, entre otros.
“PERSEVERANCIA”, es la primera grabación discográfica que realiza el Dúo Nery-López.
Piano: Enrique Nery Rendón Guitarra eléctrica: Cristobal López Producido por: Producciones Fonográficas, S.A. de C.V. Ingeniero de sonido: David Baksht Ingeniero asistente: J.A. Mayren Grabado en: Estudio “DO RE MI” México, junio 1992 Fotografía: Lorenzo Hagerman Portada: José Antonio López Diseño Gráfico: Firma Corporativa. S.C.
Nuestro agradecimiento especial a Francisco Galindo por su apoyo y su fe inquebrantable en los músico mexicanos; por su lucha incansable para hacer posible nuestro espacio para la música: Arcano
Cristobal López aparece por cortesía de Super Midi.
Dedico esta humilde obra a Carmen, mi madre, agradezco a mi hermana Martha por su firme ejemplo de amor a la vida, a mi hermano Alberto por creer en mi música, a mi amigo y compañero Alberto Kreimerman por haberme obsequiado el instrumento que esperé toda mi vida y brindarme siempre un apoyo incondicional, muchas gracias a la siempre sensible y talentosa Nadine Markova, al Doctor José Francisco Yacaman, gracias a Consuelo por su callado apoyo, gracias también a Dorio Ferreira por aportar su frescura, sobria y profunda musicalidad a través de una magnífica ejecución, a Bernardo Yancelson por creer en mi música, al (sensei) Miguel Moreno, el maestro del Aikido, gracias a Miguel Salas dondequiera que esté, a todas y cada una de las personas que intervinieron directa o indirectamente para la realización de esta obra, por último, a la persona que dedique un tiempo de su vida a escuchar mi música. GRACIAS Cristobal López.
La música es un medio de comunicación muy importante para el ser humano. A través de ella, los músicos pueden transmitir sus sentimientos, expresándose con notas musicales que van encadenando un diálogo espontáneo y creando así un estado de comunicación plena, clara y objetiva hasta llegar a un momento donde todos se entienden y se anticipan con seguridad y firmeza a lo que musicalmente pueda suceder en los compases siguientes.
Para lograr todo este espíritu de plenitud y confianza se necesita espontaneidad, la cual sólo se puede lograr en la música con con las ejecuciones de una sola toma, lo que sucedió en la grabación de este fonograma. Cada tema solo se tocó una sola vez. El resultado logrado está plasmado en este disco que espero lo disfruten como yo disfruté la ejecución virtuosa y única de mi amigo Cristobal López, que considero como el mejor guitarrista mexicano.
Un agradecimiento especial a Dino Figueroa por haberme fabricado un instrumento tan maravilloso como el BSX Bass con el cual grabé éste disco.
Dorio Ferreira.
Esta producción se grabó en los Estudios Global de la Ciudad de México durante el mes de marzo de 1998. Productor: Dorio Ferreira Director Artístico: Dorio Ferreira Arreglos: Cristobal López Músicos: Cristobal López (guitarra) Miguel Villicaña (piano) Dorio Ferreira: (contrabajo BSX) David Antonio Peregrino (percusiones) Ricardo Benítez (flauta) * Ing. De Grabación: Carlos Sánchez. Mezcla: Dorio Ferreira Masterización Digital: Carlos Sánchez. Diseño Gráfico: René Luna Fotografía: Nadine Markova
Tracklist: 1. Enamorado 4:41 2. Canelita 6:19 3. Marisa 4:21 4. Bésame Mucho 6:20 5. Susano’s calipso 3:19 6. Las Caracolas 4:25 7. La Mentira 4:54 8. Sol de agua 6:04 9. La mirada de Carmen 4:55
EL SEGUNDO DISCO, Caminos, es a guitarra sola. Aquí Cris Lobo se muestra de cuerpo entero aunque moderado, pero ante todo deja claro que se trata de un guitarrista consumado. La belleza de A un beso de distancia, incluida en el primer álbum, reaparece aunque sin los marcados argentinismos y el lunfardo andar de su versión en grupo.
A DIFERENCIA TAMBIEN de Será, en el que las piezas son de su cosecha, en Caminos reinterpreta a Rubén Fuentes, Julio César Oliva y Robert Schumann.
1. Costeña 2:41 2. A un beso de distancia 2:45 3. Agua de limón 2:12 4. Noche 2:29 5. Collar de Perlas 2:21 6. Carrousel 1:09 7. A lo lejos 1:06 8. De ida y vuelta 1:52 9. Soportando tu ausencia 1:27 10. Vengo a decirte que te quiero 2:46 11. Que bonita es mi tierra 2:08 12. Son mi alma 4:09 13. Tabata 2:50 14. La virgen Morena 3:10 15. Lluvia de invierno 2:44 16. Nandayapa 2:29 17. Traumerei 2:32 18. Ahuehuete 2:52 Compare y encuentre el mejor precio del CD "Caminos"
DECIA CRISTOBAL LOPEZ que: "los guitarristas pasan la mitad de su vida afinando la guitarra, y la otra mitad creyendo que están afinados."
AFORTUNADAMENTE, ESTAS INEVITABLES minucias del lenguaje y la técnica, que con ciertos personajes pudieran pasar de la broma al autogol, nada tienen que ver con la realidad y los rostros de Cristóbal. Desde los años 80, este guitarrista se ha evidenciado como uno de los más grandes músicos mexicanos, no sólo por su virtuosismo instrumental, sino por la también manifiesta imaginación con que compone y depura cada una de sus piezas.
ROMANTICO IMPENITENTE Y CONFESO, Cris triangula su instrumento y su decir entre los esquemas populares de México, Cuba y Brasil, para aterrizar en las bien trazadas pistas del clasicismo o para mantener a placer el "incontrolable" vuelo del jazz. El objetivo principal, alcanzado y vuelto a alcanzar a través de los años, ha sido siempre que la guitarra se muestre a plenitud en todas sus aristas, bajo el común denominador de la reposada elegancia y, por qué carambas no, el donaire.
EN 2004, YA con el nombre de batalla de Cris Lobo, grabó los discos Será y Caminos, pero no fue sino hasta 2005 que ambos compactos empezaron a circular en el mercado bajo el sello Urtext, pequeña empresa que se dedica primordialmente a la música clásica y académica, pero que en terreno del jazz ha hecho verdaderas maravillas con gente como Eduardo Pollastro, Alfredo Marichal, Ethos y el trío Santella-Cruz-Hecht.
EN SERA, CRIS Lobo se hace acompañar por su hijo Kin en la flauta barroca, Salvador Merchand está en la batería, Miguel Angel González al bajo, Víctor Patrón en piano y teclados, el maestro Jako González en el sax alto y la flauta transversal, y Elizabeth Meza y Marco Polo Garibay en las partes vocales que sutilmente se van esparciendo en algunos temas. El compadre Lobo toma también esporádicamente la trompeta (sorprendiéndonos de veras) y los silbidos.
AQUI LAS PIEZAS no sólo varían en dinámica e intensidad, por momentos llegan inclusive a polarizarse, como en el caso de Alma con alma e Insomnio, que ligadas en el orden de aparición, pudiera ser una la negación de la otra. De hecho, creo que aquí los títulos están atravesados, pues la acelerada, casi vertiginosa ponencia de Alma con alma se acerca más a las nocturnas imágenes del insomnio que el tema al que se le endilgó el título; y este último, más cercano a los terrenos del smooth jazz, llega más bien a provocar sueño. 1. Luz de amanecer 4:41 2. A un beso de distancia 5:08 3. Zabeth 2:13 4. Será 5:33 5. Caoba 6:28 6. Luciérnaga blanca 5:04 7. Selva Negra 7:54 8. Alma con alma 1:54 9. Insomnio 5:34 10. Corazón 3:30 11. Bosey 5:54 12. Del Real 2:41 13. Juego de tres 1:39 14. Luz de amanecer 4:41 Compare y encuentre el mejor precio del CD "Será"
No encontré un video de éste disco, pero éste es incréible :D
No sé cómo es que se me pudo pasar publicar este disco cuándo subí los de Aymes, pero la verdad es que ésta es una verdadera joya y ni creo necesario decir nada de ella, bastará con que vean el personal y el tracklist, ¡no se lo pueden perder!.
Músicos participantes Paul McCandless Soprano and Sopranino Sax Eugenio Toussaint Piano Cristóbal López Gibson Electric Guitar Diego Maroto Tenor Sax Roberto Aymes Carvin Contrabass Guitar Fernando Toussaint Drums
A partir de hoy las mejores voces femeninas del jazz, no sólo de México, sino de países como Francia, Estados Unidos, Chile, Filipinas, Canadá y Finlandia, serán parte del Festival Ejazz, uno de los pocos encuentros de este tipo a nivel nacional. En su tercera edición, el acto será inaugurado por Germán Palomares y Antonio Malacara, dos de los críticos más importantes de este género, y por la intérprete francesa Andrea Balency.
Desde hace tres años, durante los primeros días de diciembre, el Teatro de la Ciudad se convierte en un escenario particular en el que desfilan las cantantes de jazz que se caracterizan por su calidad interpretativa y por la fuerza de su presencia escénica.
Organizado por el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla, el festival de este año se complementará con las opiniones de dos de los críticos más importantes a nivel nacional, quienes hablarán sobre la importancia de las mujeres en el género musical.
Andrea Balency, la cantante que hoy a las 20:30 horas ofrecerá el primer concierto, es una parisiense que ha nutrido sus composiciones con la música de Argentina y México, dos de los países en los que ha residido. Su repertorio incluye arreglos de la música tradicional francesa, folklore mexicano, hip hop y jazz.
Del programa, destaca la presencia de Charmaine Clamor, una cantante filipina que ha sido comparada con Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Cassandra Wilson, tres de las mujeres más reconocidas en la historia del jazz. Ella es conocida por la incorporación de su lengua, instrumentos y canciones nativas de su país dentro del jazz contemporáneo, un estilo que ha denominado como “jazzipino”.
La intérprete se presentará este jueves a las 20 horas y será precedida por Muna Zu”, un trío que ha sido definido como uno de los grupos más vanguardistas de México que incluye ritmos como el pop, la salsa, el jazz, la bossa nova, el blues que son mezclados con chasquidos, mugidos, cacareos y aullidos.
Una de las cantantes locales que ha participado en las tres ediciones de Ejazz es Ana Sánchez, quien ha sido alumna de Magos Herrera y ha formado un dueto con el reconocido guitarrista Beto Cobos. La tarde del 3 de diciembre, a las 18 horas, ofrecerá tres temas originales y algunos arreglos de las canciones de la cantante islandesa Bjork.
Luego de la intérprete poblana, continuará Claudia Acuña, una cantante chilena que actualmente reside en Nueva York, ciudad en la que se ha destacado por interpretar baladas, jazz standards y bossa nova, además de desarrollar y dar a conocer el folklore de su país en Estados Unidos, con composiciones de Violeta Parra y de Víctor Jara.
Las presentaciones del sábado 4 de diciembre comenzarán con Louise Phelan, jazzista originaria de Limerick, Irlanda, quien además es profesora de teatro y actriz. La intérprete ha visitado 30 países, incluido México, en el que se ha presentado en ciudades como el Distrito Federal y Oaxaca.
Luego seguirá el concierto de Hanna Hiipakka, quien es originaria de Finlandia pero formada en la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México. Como jazzista se ha presentado en festivales como el Eurojazz, el Festival Nacional de Jazz que se celebra en Zamora, Michoacán, o en el Festival Juan José Calatayud en Cuernavaca, Morelos.
Los últimos conciertos se ofrecerán el domingo 5 de diciembre y comenzarán a las 18 horas. Primero tocará el turno a Teté Jazz Children, una intérprete local que en su repertorio cuenta con arreglos jazzísticos de música para niños. Luego seguirá Danna Garay, una cantante mexicana que ha compartido sesiones con Enrique Nery, Tyler Mitchell, Víctor Patrón, Roberto Aymes y la Panamerican Big Band.
El cierre estará a cargo de la pianista Olivia Revueltas, hija del literato José Revueltas y sobrina del compositor mexicano Silvestre Revueltas. El concierto significará su regreso a tierras mexicanas, luego de vivir durante 25 años en San Antonio, Texas.
“Olivia es un auténtica tejedora de milagros. Si no la conoces, tienes que escucharla. Es jazz en la más pura de sus acepciones”, expresó Antonio Malacara, en “Jazz”, una columna semanal que publica en La Jornada.
Los conciertos y las conferencias son gratuitos, pero se recomienda que el público llegue antes de la hora programada.
Fuxé es sinónimo de jazz, de versatilidad y de atmósferas cargadas de eufonía. La agrupación opta por combinar lo ilógico, fundir los diversos planos sonoros que nacen de la improvisación para devenir una tendencia propia del jazz, pero en donde también se hace presente el funk. La agrupación está conformada por Cris van Beuren (guitarras), Omar Vázquez (bajo y contrabajo), Ricardo Pompa (teclados) y David Caspeta (batería)y en ésta ocasión nos ofrecen un segundo (tercer) material discográfico que sin duda alguna muestra un crecimiento a nivel musical, sin dudas algo que deben escuchar. Gracias a Pablo Pelao por compartir el disco :D
Tracklist: 01 Zenit 02 Sueños de Buddha 03 Fes 04 Horizontes 05 Baiao Apikalia 06 Buba Funk 07 Aires Celtas 08 Pop6 (contigo) 09 Rola Dos
¡¡¡Feliz día del músico!!! Producto orgullosamente mexicano, el sexteto Calacas Jazz Band -con una brillante alineación formada por Jazmín Luna (sax), Ángel Leal (trompeta), Gary Anzures (tuba), Cristian Merino (banjo), Alejandro Hernández (batería), y la elegante voz de María Arellano- se caracteriza por su estilo musical alegre y despreocupado, herencia del mejor dixieland y el ragtime del New Orleans de los años 20's.
Basándose en el típico predominio melódico de los metales, estructura armónica a cargo del banjo y la batería, y con gran espacio para la improvisación -tal como establecen los cánones del mejor dixieland-, la música de Calacas Jazz Band es una verdadera delicia para los nostálgicos del Cotton Club (sí, esos viejos tiempos del Bugatti 41, la Prohibición y John Dillinger), y nada mejor para armar el club privado que el disco "Gracias por cooperar". Cada uno de los once tracks que se presentan en este álbum deviene talentosa reinterpretación a bellas piezas de época: "All of me", coescrita por Gerald Marks (1900-1997) y Seymour Simons (1896-1949); "After you've gone", de la soberbia Marion Harris (1896-1944); "Some of these days", de autoría del pianista Shelton Brooks (1886-1975); la clásica "My bucket's got a hole in it", del ícono country Hank Williams (1923-1953); y hasta el "Pink Panther theme", cortesía de Henry Mancini (1924-1994), son sólo algunos de los temas con que Calacas Jazz Band regala al respetable en un álbum nada pretencioso, muy fresco y harto disfrutable. Como diría Al Jolson en "The Jazz Singer" (1927): "...aún no han escuchado nada..."
Tracklist: 1 intro (exactly like you) 2 After you've gone 3 Bourbon street parade 4 I've found a new baby 5 All of me 6 That's a plenty 7 Sweet georgia brown 8 Some of these days 9 Royal garden blues 10 My bucket's got a hole in it 11 The pink panther theme
El Art Latin Jazz Trio de Roberto Aymes, nos ofrece éste material en el que se incluyen piezas dirigidas a los niños como Los Picapiedra de Hoyt Curtin, Little Suede Shoes de Charly Parker, Mario Bros. Medley de Koji Kondo y los arreglos a canciones populares Naranja dulce con jazz partido y La cucaracha. Disfutenlo!!!
El Danzón, forma que normalmente conocemos más en México por su delicadeza y sensualidad al ser bailado, nace en Cuba, derivado de la Contradanza y con la riqueza de los elementos propios del Caribe.
El primer Danzón escrito se remonta a 1879 del compositor Miguel Faílde con el título de ‘Las Alturas de Simpson’, en donde ya se encuentran los elementos cadenciosos y rítmicos que le caracterizan.
Mientras que el Son, también cubano, de antigüedad probablemente mucho mayor y que contiene elementos diversos procedentes de la música africana y española, se adopta como forma en los suburbios montuneros de algunas ciudades orientales como Guantánamo y Baracoa. Pero no es sino hasta 1909 que se traslada a La Habana, y de ahí al mundo.
En México primero se baila el Danzón y luego se canta el Son, la década de los alocados 20’s es el momento y el Puerto de Veracruz el lugar; tan sólo el tiempo les daría la posibilidad de incorporarse al terreno jazzístico, cosa tan obvia como el Rag Time y el Blues en otros tiempos y coordenadas.
Como a la mezcla de Danzón y Son en Cuba se le ha llamado Danzonete, y con la aportación del Jazz en todo esto, la invitación a este concierto es directamente a jazzdanzonetear con mucho swing y jícamo.
1. Nereidas (danzón)Amador Torres Pérez “Dimas” (1900-1976) 06:43 2 .El Manisero (son pregón)Moisés Simons (1890-1945) 07:06 3. Chan-Chan (son)Francisco Repilado “Compay Segundo” (1907-2003) 04:49 4. La Mora (danzón) Eliseo Grenet (1893-1950) 05:51 5. Mamá / Son de La Loma (son)Miguel Matamoros (1894-1971) 04:43 6. Almendra (danzón) Abelardo Valdés (1911-1958) 08:50 7. Lágrimas Negras (bolero son) Miguel Matamoros 07:50 8. Los Negritos (danzones)Música popular de la primera mitad del siglo XX (D.P.) 06:38 9. El Cadete Constitucional (danzón)Jacobo Rubalcaba (1895-1951) 07:10 10. Bilongo ‘La Negra Tomasa’ (son)Alejandro Rodríguez (1925-1967) 05:56
Entrevistado poco antes del inicio de grabaciones de este disco, el baterista refirió que decidieron llamar así a este trabajo en honor a la cultura maya, pues así denominaban a sus años, compuestos por 13 meses y 20 días. El material, expuso, tendrá nueve temas originales de la banda compuesta por Fernando Toussaint (batería), Enrique Pat (teclado), Bernardo Ron (guitarra) y Luis Ernesto López (bajo). Los temas son "Día cero", "Agua mala", "13 20", "Tarántula" y "El principio del fin", además ofrecerá dos homenajes, uno a Frank Zappa, cuyo tema "Inca rose" fue retomado por el grupo para hacerle arreglos y dotarlo de un sonido propio; el mismo método se utilizó con Mysterious Traveler, de Joe Zawinul, ex líder de Weather Report. La característica principal del grupo radicado en Playa del Carmen, es que sus integrantes pertenecen a distintas generaciones, por lo que ofrecen una mezcla de distintas influencias, posturas y criterios que desembocan en un proyecto muy serio que actualmente esta en su etapa de madurez. El nuevo material es grabado bajo la escena independiente, porque según el líder de "Agua mala", actualmente no es necesario pertenecer a alguna gran disquera, pues existen los medios para darte a conocer respetando tus principios originales como banda. Sobre la situación actual del jazz en México, Fernando Toussaint consideró que en estos momentos hay una gran apertura para éste ya que gran parte del público musical se está dando cuenta de que no es aburrido ni rígido como antes se creía. Fernando Toussaint, actualmente es el productor del Festival de Jazz de la Riviera Maya, uno de los encuentros más importantes del género a nivel mundial, cuya edición 2009 durará cinco días de noviembre, a lo largo de los cuales se tiene preparado un cartel muy importante. Entre los grupos que asistirán a este foro, en el que "Agua mala" será el anfitrión, destacan artistas de talla nacional e internacional como Pat Martino, Colin Hunter, Mark Aanderud, Spyro Gyra, Sergio Mendes, Sacbé, Narimbo, Juan Alzate y Herbie Hancock, entre otros. El grupo mexicano se encuentra de manteles largos con la grabación de este nuevo material luego de cinco años de trayectoria, y se presentará el fin de semana en uno de los clubs de jazz más importante de esta ciudad.
Segundo material discográfico de esta gran banda Remi Álvarez - Saxofón alto, baritono, soprano & tenor Aarón Cruz - Contrabajo Hernan Hecht - Batería
Tracklist: 1 Papirolas 2 Laberinto 3 La Oración 4 Chocolate 5 La Paradoja está ahora totalmente establecida 6 No Temas 7 Peces en la Luna 8 Ocioso Malandrín 9 Improvisación Libre I Compare y encuentre el mejor precio del CD "México Ázul"
El origen de este ensamble nace por la motivación compartida de hurgar, compartir y buscar en la improvisación libre una vía hacia la libertad musical y la creatividad. Cráneo de Jade esta inspirado en la improvisación libre. Desde 1994, Cráneo de Jade ha venido tocando y desarrollando su propia interpretación de la improvisación libre y han grabado tres álbumes: Cráneo de Jade (Opción Sónica, 1996), Papirolas (JazzCat, 1999) y Pleione (Quindecim 2002).
El trío ha tocado en varios festivales de jazz, escuelas y casas de la cultura en el país y en el extranjero, como en el: Festival Internacional de Jazz de la Habana, Festival de las Artes de Puebla, Congreso Internacional de Clarinetes y Saxofones, Escuela Nacional de Música, Sala Ollin Yoliztli, Festival de Jazz de Campeche, JazzHabito Festival, Festival de Música por la Tierra, Más Jazz Festival, ArtLife JazzFest, Festival Internacional Viva Vivaldi, Festival Internacional de Bateristas y en foros como el Palacio de Minería, Plaza de las Artes (Centro Nacional de las Artes), Teatro Benito Juárez, Museo de la Ciudad de México, Multiforo Ollin Kan, entre otros. Cráneo de Jade Tracklist:
Como ya se habrán dado cuenta soy algo fanático de la música japonesa y en especial ésta chica es una de las que me vuelve loco y no pude evitar querer compartirles ésta, su más reciente producción, espero la disfruten :D
Tracklist: 1. So Long 2. Blue Pearl 3. Summer Wave 4. Cherokee 5. W.W.W. 6. Good Morning Heartache 7. Saudade E Carinho 8. Forever Begins 9. The Moon Was Yellow 10. Avance
El público cautivo que la ha esperado por años ya hizo su tarea al agotar las entradas en el Auditorio Nacional. Ahora toca la parte de Norah Jones, la exitosa cantautora estadounidense que está de regreso en suelo mexicano y ‘The Fall Tour’ es el pretexto para mostrar su cuarta placa de estudio, titulada ‘The Fall’.
Los apasionados de su mezcla jazzística, country y con toques de pop se darán cita en el Coloso de Reforma este viernes para disfrutar lo mejor de sus cuatro producciones discográficas.
Precisamente, ‘The Fall’ cumplirá este mes un año de haber salido al mercado y los 13 temas que le componen muestran la evolución de Norah, que ha mantenido su sello folk y jazz, con letras más profundas que hablan de apasionarse por la vida y enamorarse de lo romántico.
Las voces especializadas en el género han destacado que Norah ahora tiene una voz más suave, delicada al cantar, pero menos tímida que antes y con toques de sensualidad natural, algo que le ha llevado a sonidos más de blues y experimentos bien encauzados por su banda.
En el estudio, este disco destacó por la composición de Ryan Adams y Will Sheff, así como de su amigo Jesse Harris, quien ya ha trabajado con ella desde su primera producción discografica.
También se apoyó en los músicos con los que grabó, sonando los nombres de Joey Waronker (R.E.M.) y James Gadson (Bill Withers) en la batería, el tecladista James Poyser (Erykah Badu) y los guitarristas Marc Ribot (Tom Waits, Elvis Costello), Smokey Hormel (Johnny Cash, Joe Strummer).
OCHO AÑOS DESPUÉS… Indudablemente, el número ocho es de ensueño para Norah. Con apenas 23 años y su primer disco de larga duración, luego de haber editado un EP en 2001, Jones llegó a los cuernos de la luna cuando ‘Come Away With Me’ lució en la entrega de los premios Grammy y ocho estatuillas confirmaron su éxito. Fue en 2003 cuando el cetro se le otorgó a Norah, quien no había tenido un éxito mediático en la radio, pero sí en ventas cercanas a millón y medio en pocos meses. En la actualidad 'Come away'... ha colocado 20 millones de aquellas placa que en su momento, destronó al mismísimo Eminem.
El suceso en el que se había convertido su música, le dio oportunidad de elegir cómo y con quién trabajar. Norah llegó al 2007 con dos discos más: ‘Feels Like Home’ (2004) y ‘Not Too Late’ (2007).
ESTRENA DISCO CON GRANDES Además, Norah Jones llega a México de nueva cuenta precedida del anuncio de la que será su nueva producción, una placa que destaca por estar conformada de colaboraciones que ha realizado a lo largo de su carrera.
En su portal oficial, Norah expresó que editó un disco de colección donde los músicos que la han acompañado cobrarán mayor relevancia y servirá para agradecerles la confianza que le han brindado.
Las 18 canciones del ‡lbum incluyen duetos con leyendas como Ray Charles, Willie Nelson y Dolly Parton, as’ como con ’conos del siglo 21 como OutKast y Foo Fighters, entre otros.
Es muy emocionante, halagador y divertido cuando me piden que cante con alguien que admiro. Me siento un poco fuera de mi zona de confort cuando trabajo con otro artista, no puedo esperar, es como ser un niño y tener un día de juegos”, expresó Jones en su portal recientemente. con ‘…Featuring’ abarca toda su carrera, desde grabaciones antiguas con una versión hecha para el tema ‘More Than This’, al lado del guitarrista Charlie Hunter, en 2001, hasta actuaciones recientes con la canción ‘Little Lou, Ugly Jack, Prophet John’, la cual realizó con Belle and Sebastian.
También incluye grabaciones de sus proyectos paralelos (The Little Willies y Madmo El). Igual estarán las colaboraciones con artistas como M. Ward y David Rawlings.
“Mucha de la gente en este disco son personas que he adorado desde que era una niña y algunos de ellos son más jóvenes, mis contemporáneos. A pesar de que los músicos son tan variados, el ambiente de las canciones tiene sentido cuando los ponemos todos juntos”, expresó Norah sobre su nueva placa.
Un año después del lanzamiento del EP Some Lessons Melody grabó de forma igualmente independiente su primer LP titulado Worrisome Heart, el cual incluía un par de canciones del Some Lessons, este disco llamó la atención de la productora Verve Records y en 2008 Melody entro en los estudios de la Verve para grabar una nueva versión de este CD; el álbum se grabó en tiempo record y de forma impresionante llegó a posicionarse en el lugar número 2 en el Billboard de los "Top Jazz Albums" en U.S.
1. "Sweet Memory" 3:21 2. "All That I Need Is Love" 2:36 3. "Wicked Ride" 4:29 4. "Some Lessons" 5:23 5. "Gone" 3:21 6. "Quiet Fire" 4:12 7. "Worrisome Heart" 4:21 8. "One Day" 2:02 9. "Love Me Like a River Does" 4:05 10. "Goodnite" 3:04 11. "Twilight" 1:01 Compare y encuentre el mejor precio del CD "Worrisome Heart"
Después de una laaaarga temporada sin compartir material nuevo con los amigos de Soulthing, intentaré redimirme con este gran post para aportarles la discografía completa de la señorita Madeleine Peyroux; recuerden que ahora los links de descarga podrán encontrarlos en los comentarios...
Madeleine Peyroux nació a Athens (los Estados Unidos) en 1973 de un padre canadiense a quien debe su nombre de origen francés y de una madre el profesor de francés que le da su nombre en referencia a Marcel Proust. Crece entre la California, Brooklyn y París, y se descubre a la adolescencia una verdadera pasión para la música visitando París y más especialmente el Barrio Latino dónde encuentra a una comunidad de intérpretes de calle con la que hace sus primeras giras a los 15 años de edad. En 1996, entonces de un paso a New York, es observada por un responsable de una casa de discos que le propone registrar un álbum. "Dreamland", que dibuja en el directorio folk y country, todo tanto que en el de las grandes divas del jazz de los años 1930 se vende a 200.000 ejemplares. Pero Madeleine, la pequeña noticia en el universo del jazz vocal femenino, desaparece después de esa primera prueba.
Lo prometido es deuda y aquí dejo este disco con dedicatoria especial para nuestro buen amigo Uszi, Carita Boronska y su Jazzuality, disco que ya nos había reseñado alguna vez Luis, así que disfrutenlo :D
Aprovecho este Disco para compartir una excelente entrevista-artículo a cargo de Eugenia Montalván Colón para Unas Letras aquí el texto original.
La música de Héctor Infanzón, un “viaje emocional” A Mérida le hace bien la música. Me di cuenta en el silencio absoluto del teatro Peón Contreras cuando Héctor Infanzón tocaba el piano una de estas noches de abril, inesperadamente frías. Con su trío, Giovanni Figueroa (percusiones y batería) y Aarón Cruz (contrabajo), hizo una aportación monumental al programa del 2 Festival Internacional de Jazz, que -por fortuna-, también reservó presentaciones para Infanzón solo.
Su aportación rebasó el show. Impartió clases, improvisó en el patio de la ex escuela primaria Andrés Quintana Roo frente a un piano que no era de la calidad que esperaba, regaló y vendió CDs él mismo, se tomó fotos y gozó las calles. Con razón la crítica considera su obra magistral; lo es sin duda, pues se brinda a través de ella.
-Empecemos por la historia de su trío.
-Es un trío nuevo y diferente a lo que había estado haciendo durante 12 años con mis anteriores compañeros, Héctor Infanzón Quartet, conformado por Waldo Madera, en la batería, Armando Montiel en la percusión y Rodrigo Cárdenas en el bajo, con quienes venía haciendo un trabajo con composiciones mías, y con presentaciones en festivales tanto nacionales como internacionales; un trabajo que gustó muchísimo y se plasmó en un disco que se llama nos toca (2000), pero los muchachos hicieron compromisos con otros artistas, y se dio la coyuntura de que los tres se fueron de la ciudad. Waldo y Armando a Cuernavaca, y Rodrigo a Miami.
La separación coincide con la búsqueda de un trío más acústico, explica Infanzón, pues el cuarteto era mucho más explosivo, podríamos decir.
Este trío, precisa, es más íntimo porque así es la música que estoy componiendo actualmente, y estoy muy contento con haber encontrado a dos grandes músicos, como son Aarón Cruz en el contrabajo y Giovanni Figueroa en la batería/percusión.
-Desde luego usted exige en sus músicos un virtuosismo excepcional, al menos es lo que el público percibe, indudablemente, pero ¿cuáles son en sí los requisitos que deben cumplir?
-Son meramente musicales. Ser virtuosos, desde luego, pero lo importante es que ese virtuosismo tenga un concepto musical. Estoy buscando el color de la música mexicana –huapango- combinado con la música afro caribeña que he venido explorando conjuntamente con el concepto de música de cámara.
Esta idea me lleva a buscar músicos de calidad, que puedan responder inmediatamente a estas dinámicas y a la fluidez de ideas, y que puedan ejecutar la música que estamos haciendo de manera inmediata en los ensayos. Ellos responden perfectamente porque son muy buenos instrumentistas, además son muy jóvenes, eso me motiva, y hay una energía que se está refrescando ahí (en el escenario, los ensayos, las giras, etc.).
-Quizá esa energía es lo que le da un toque divertido a sus actuaciones. Me di cuenta que el escenario se ríen entre ustedes y manejan perfectamente el lenguaje de las señas.
-Es una comunicación visual que surge a partir de la música misma. Es como coquetearnos en el escenario. Nos miramos, me proponen algo y yo me voy por ahí, o al revés, yo propongo y ellos me siguen. Se amalgaman cosas que son espontáneas, porque aunque hayamos ensayado, aunque sepamos la manera en como hacemos los temas, siempre dejamos una parte al escenario. Hay, sin embargo, cosas ensayadas con muchísima precisión para que tengan, como te decía, la coloratura de música de cámara. Así es como concibo el jazz, aunque pueda ser libre (en esencia), pero para mí tiene un orden. La adrenalina fluye en el escenario, y eso nos divierte.
-¿Cómo y cuándo ensaya su trío?
-Nos reunimos un par de veces a la semana tengamos concierto o no. Revisamos el material que tenemos, ponemos nuevos temas, hacemos ensambles… exploramos sonoridades, o sea, orquestamos el trío, digamos. Me gusta mucho pensarlo como si fuera un ensamble orquestal. He tenido la oportunidad de trabajar con orquestas sinfónicas, y componer y hacer arreglos para algunas, por eso me gusta explorar toda la gama de coloraturas, timbres y matices, y es así como concibo el trío. Trabajamos muy meticulosamente estos aspectos, es muy divertido, la verdad.
Este trío tiene dos etapas. En diciembre del año antepasado (2003) nos juntamos para hacer una fecha en el Club de Jazz Papa Beto de México. Tenía ganas de probar este colorcito, meramente como una jam session. Los muchachos ya habían montado algo de mi música, hicimos un ensayo y salimos a tocar. Finalmente vino el Festival Internacional de Medellín al que no podían asistir mis compañeros del cuarteto, y entonces llamé a Giovanni y a Aarón y nos ponemos a ensayar intensamente para debutar allá y, bueno, fuimos la sorpresa del festival, puedo decirlo con mucho orgullo. La presencia de México gustó mucho. No obstante la presencia de gente muy reconocida: Dave Valentin, Dave Samuels, Chano Domínguez…
El pianista Héctor Infanzón (México, D.F., 1959) desde los 17 años ha dedicado su vida al piano. En esta entrevista nos cuenta cómo se enteró de la existencia de la Escuela Superior de Música, cuándo decide dedicarse al jazz, y qué ambiciones tiene como compositor. Entre tantos temas, habla, además, del esfuerzo triple que representa ser un músico de su talla con la responsabilidad de estudiar, mantener a la familia y crear ensambles, aparte de dedicarle una buena cantidad de horas diarias al Internet para estar al tanto de los circuitos internacionales del jazz.
-Leí en su breve biografía (El jazz en México. Datos para una historia, FCE, 2001) escrita por Alain Derbez que empezó a estudiar el piano a los 17 años. Un inicio bastante tardío para el virtuosismo que ha conseguido ¿no es cierto?
-Empiezo tarde porque yo venía jugando con la música desde muy chavo; en casa se vive todo el tiempo con música, mis papás oyen de todo tipo. Había instrumentos en la casa, mi papá tocaba varios: el tres y guitarra, arpa, violines. Así crecimos. Yo empecé a tocar la guitarra en la secundaria, y cuando entré al CCH vi a un muchacho que estaba con sus partituras y sus notas, y me dijo que estudiaba en la Escuela Superior de Música. ¿Y eso se enseña ahí?, le pregunté. En ese momento se me abrió un mundo nuevo. Yo no sabía que existía la Escuela de Música, y entré. Estaba en la República de Cuba, ahí en el Centro (Ciudad de México ).
Se me planteó la primera posibilidad de estudiar música en serio, -continúa- hice mi examen, me quedé en guitarra, pero a la semana probé piano y empecé las clases desde cero.
Después, cuando me di cuenta de lo que implica el instrumento me volqué a él. Para mí se acabaron las idas al billar, el futbol, que me encantaba, y todo por disfrutar el placer enorme de haber encontrado lo que sería mi vida. Sentarme horas al instrumento y explorarlo era lo más hermoso que me podía pasar.
-¿Y tenía piano en su casa?
-No, empecé con un organito chiquito que me prestó mi tía. Al año, mis papás hicieron un esfuerzo enorme y compraron el primer piano. Me acuerdo que costó 6 mil pesos, ¡una lana! Era el año 79, o por ahí. Por mí no hubiera hecho otra cosa aparte de dedicarme al piano. Sin embargo, mi mamá insistió en que acabara, así que tan pronto recibí mi última calificación salí y no volví más.
-¿A partir de cuándo se dedica de lleno al jazz?
-Paralelamente a mi formación académica estuve explorando la música popular. Empecé con la afro caribeña porque siempre me llamó mucho la atención, y hasta la fecha es lo que más hago. Después acompañé a muchos cantantes (Eugenia León, por ejemplo) y en algún momento, bueno, la evolución de mi propio gusto me llevó a explorar más la improvisación, y ésta me llevó necesariamente al jazz. De hecho ya lo venía escuchando. Es más, cuando mi papá llevó el primer disco de Oscar Peterson a casa, enloquecí. Entonces fue cuando dije que eso era lo que yo quería hacer en la vida.
Y, desde 1989, cuando formo el trío Antropóleo con Agustín Bernal y Toni Cárdenas hacemos como un taller, y empezamos a estudiar el bebop, aparte de todas las corrientes dentro del género del jazz, montamos temas y empezamos a probar todo lo que se nos ocurría. Creo que este trío marcó una época en el medio musical en México. Muchos chavos hasta la fecha tienen referencias de él, mientras que para nosotros fue un taller. Así me seguí, narra, hasta que en el 91 se desintegra este trío.
Posteriormente, explica, formo el cuarteto con Rodrigo Cárdenas (bajo), Waldo Madera (batería) y Armando Montiel (percusiones), y éste dura 13 años. Ahora estoy en una etapa diferente. Se refiere a la integración de su trío con Giovanni Figueroa en la batería y percusiones y Aarón Cruz en el bajo, con el que brindó una asombrosa actuación en el 2 Festival Internacional de Jazz en Mérida este abril en el Peón Contreras.
-¿Cómo ha ido madurando su obra compositiva?
-Afortunadamente ha evolucionado. Sigue teniendo el color de la música afro caribeña, pero no del tipo cubano, puertorriqueño o dominicano, sino mexicano. Cada vez lo veo con más claridad; cada vez identifico mejor mi propio color. La vena composicional la traigo ahí, y ahora le estoy dando mucho más prioridad, incluso.
Paulatinamente fui tocando menos standards para darle más cabida a mi obra. Siento que estoy diciendo lo que quiero decir, además de que sigo aprendiendo de los standards, claro, pero eso lo hago en casa. Mi obra es una extensión de cómo toco y si no la promuevo yo, ¿quién?, por eso cuando salgo al escenario toco pura obra original.
-Supongo que Impulsos (2004) es la culminación de ese trabajo personal al que se refiere, ¿es así?
-Sí, fíjate que este disco tiene la característica de que explora mi parte pianística y composicional al mismo tiempo; me gusta mucho por eso. Es de puras improvisaciones. Me puse a grabar y esto fue lo que salió.
-¿No escribe su música?
-Cuando compongo sí, pero en este caso no había nada escrito.
-Se sentó frente al piano y…
-Así es. Este disco lo hice mientras estaba dedicado la producción y los arreglos del último disco de Eugenia León (Tatuajes). Cada mañana, como por disciplina, improvisaba algo, y lo iba guardando. Al año y medio que terminé aquella producción lo saqué, y dije ¡diablos!, esto me gusta.
Fue bueno haberlo escuchado esas grabaciones en retrospectiva; me llevé una gran sorpresa. De repente tenía como tres horas y media de música grabada, y entonces escogí lo que me parecía más representativo de lo que soy ahora como pianista y como compositor, creo que en él se puede percibir bien de dónde vengo y para dónde voy. Es un parte aguas para mí mismo.
Hay cosas composicionales que si me las hubiera planteado quizá no las hubiera hecho, pero en cambio aquí están plasmadas. Cada vez que oigo este disco me asusta la idea de no haber llegado a grabarlo porque por años me la he pasado improvisando.
-¿Qué proceso sigue una obra suya? Pensemos en Funeral, por ejemplo ¿Cuando la escribió ya tenía el título?
-El proceso fue totalmente al revés (ríe). Los nombres vinieron después. Me acuerdo que cuando las guardaba (las obras) les ponía un nombre para identificarlas, y muchas tienen el nombre original; por eso el disco se llama Impulsos, porque todo respondía al primer impulso, a la primera idea.
Cuando escribí Funeral estaba un poco triste por circunstancias familiares; lo refleja ese tema. En tres meses sufrimos bajas considerables; se nos fueron seis gentes, por algo plasmé esos estados de ánimo.
Además, de repente, recibí la llamada de que un amigo, el ingeniero de sonido que me grabó el disco anterior (Rodolfo Cruz), fallece de cáncer y le dedico un tema que se llama Hasta pronto. Recuerdo que esa mañana tan pronto recibí la noticia, prendí la máquina, y compuse esto.
Lo que te puedo decir del proceso, entonces, es que no tenía melodías ni estructura previas, pero sí emociones.
-Comprendo. En Impulsos hay piezas que tienen cierto toque de música de cine.
-Quizá. Escucho mucha música de cine. Veo las películas dos o tres veces, no porque no la haya entendido, sino porque la veo en distintas etapas. La primera, para tener una impresión; después me concentro en la parte que me interesa, la música, y analizo cómo encaja en el contexto de la historia. Luego veo cómo está hecha y de qué se trata.
Así que tengo mucha influencia de la música de cine, reconoce. De hecho, explica, muchas de las emociones que llevo a la música son imágenes, aunque algunas son meramente virtuosísticas, desde luego, pero otras son mucho más reflexivas. Funeral es una de ellas. Uno de mis sueños es hacer música de cine, confiesa, y creo estar en el camino de poder hacerlo. Cuando tenga la primera oportunidad, por supuesto que la voy a tomar.
-¿Con la estructura del disco Impulsos pretendía armar algo semejante a una historia, o el hecho de poner un epílogo fue casual?
-No, ninguna historia. Es un epílogo a toda esta locura.
-Los títulos de las piezas, sin embargo, sí remiten a la consecución de experiencias, sensaciones, ideas…
-No es fácil captar estas cosas a primera instancia. Efectivamente, el disco tiene toda una parte autobiográfica. Se trata, realmente, de un disco autosonográfico. Yo creo que un musicoterapeuta me analizaría perfectamente escuchándolo. Si alguien quiere saber quién soy yo, que oiga esta música. Aquí está dicho cuáles son mis perspectivas como músico y también como persona. Cómo miro la vida, qué me gusta, qué me duele…
-Gilberto Pinzón planteó en la conferencia de Alain Derbez (en el marco del Festival Internacional de Jazz) que los jazzistas mexicanos deberían tocaran más regularmente la música de los compositores del país. Para lo cual se requiere editar urgentemente, según él, un libro de partituras de varios autores. ¿Qué piensa al respecto? ¿Sus partituras están disponibles?
-El planteamiento de mi colega es muy acertado. En mi caso, me estoy abocando a componer y promover mi obra, y creo que todos estamos en lo mismo. Por lo pronto, a mí me parece fundamental que ya hayamos conseguido dedicarnos a la obra personal, como es mi caso. Eugenio (Toussaint) y Enrique (Nery) están componiendo muchísimo, pero nosotros mismos tenemos que promover nuestra propia obra, ya que todavía no rebasamos la etapa en la que podamos pensar que la obra mexicana es tan basta como para prescindir de la norteamericana. Tan pronto se establezca la identidad de cada músico, en ese momento los demás van a empezar a buscar nuestra obra, seguramente.
Al final, con el compromiso de tocar unas horas más tarde, Héctor Infanzón habla de que el mundo corre muy rápido y, por fortuna, los amantes del jazz en México son cada vez más exigentes debido a que manejan mayor información.
En suma, reconoce, vivimos un buen momento. Nos toca hacer nuestros propios discos, expandir nuestra propia voz.
De Casiopea, no hay mucho que hablar, hay que mejor escucharlos. Son una banda de jazzfusión de origen japonés que nació en 1976 con el guitarrista IsseiNoro y el bajista TetsuoSakurai. El año siguiente se unieron el tecladistaMinoruMukaiya y el bateristaTakashiSasaki.
En el año de 1979 debutaron con su disco homónimo, el año posterior el baterista fue remplazado por JimboAkira. En los años siguientes sacaron varios discos además que salieron de gira por todo el mundo. En 1989 Akira y Sakurai dejaron la banda por diferencias creativas con Noro. Formaron una agrupación llamada Jimsaku.
YoshihiroNaruse toma el bajo y MasaakiHiyama la batería, para 1993 cambiarían de nuevo de baterista y entraría NoriakiKumagai. JimboAkira regresa a al agrupación en 1997 para varias colaboraciones. En 2006 IsseiNoro decide suspender la actividad de Casiopea hasta nuevo aviso.
Sin embargo, pese a la inestabilidad de la banda lograron publicar poco mas de 35 discos y viajar alrededor del mundo. Como digo, Casiopea no es para hablar de ellos, es para escucharlos...es una oportunidad de viajar a Japón a través del jazz.
