Un año después del lanzamiento del EP Some Lessons Melody grabó de forma igualmente independiente su primer LP titulado Worrisome Heart, el cual incluía un par de canciones del Some Lessons, este disco llamó la atención de la productora Verve Records y en 2008 Melody entro en los estudios de la Verve para grabar una nueva versión de este CD; el álbum se grabó en tiempo record y de forma impresionante llegó a posicionarse en el lugar número 2 en el Billboard de los "Top Jazz Albums" en U.S.
1. "Sweet Memory" 3:21 2. "All That I Need Is Love" 2:36 3. "Wicked Ride" 4:29 4. "Some Lessons" 5:23 5. "Gone" 3:21 6. "Quiet Fire" 4:12 7. "Worrisome Heart" 4:21 8. "One Day" 2:02 9. "Love Me Like a River Does" 4:05 10. "Goodnite" 3:04 11. "Twilight" 1:01 Compare y encuentre el mejor precio del CD "Worrisome Heart"
Después de una laaaarga temporada sin compartir material nuevo con los amigos de Soulthing, intentaré redimirme con este gran post para aportarles la discografía completa de la señorita Madeleine Peyroux; recuerden que ahora los links de descarga podrán encontrarlos en los comentarios...
Madeleine Peyroux nació a Athens (los Estados Unidos) en 1973 de un padre canadiense a quien debe su nombre de origen francés y de una madre el profesor de francés que le da su nombre en referencia a Marcel Proust. Crece entre la California, Brooklyn y París, y se descubre a la adolescencia una verdadera pasión para la música visitando París y más especialmente el Barrio Latino dónde encuentra a una comunidad de intérpretes de calle con la que hace sus primeras giras a los 15 años de edad. En 1996, entonces de un paso a New York, es observada por un responsable de una casa de discos que le propone registrar un álbum. "Dreamland", que dibuja en el directorio folk y country, todo tanto que en el de las grandes divas del jazz de los años 1930 se vende a 200.000 ejemplares. Pero Madeleine, la pequeña noticia en el universo del jazz vocal femenino, desaparece después de esa primera prueba.
Lo prometido es deuda y aquí dejo este disco con dedicatoria especial para nuestro buen amigo Uszi, Carita Boronska y su Jazzuality, disco que ya nos había reseñado alguna vez Luis, así que disfrutenlo :D
Aprovecho este Disco para compartir una excelente entrevista-artículo a cargo de Eugenia Montalván Colón para Unas Letras aquí el texto original.
La música de Héctor Infanzón, un “viaje emocional” A Mérida le hace bien la música. Me di cuenta en el silencio absoluto del teatro Peón Contreras cuando Héctor Infanzón tocaba el piano una de estas noches de abril, inesperadamente frías. Con su trío, Giovanni Figueroa (percusiones y batería) y Aarón Cruz (contrabajo), hizo una aportación monumental al programa del 2 Festival Internacional de Jazz, que -por fortuna-, también reservó presentaciones para Infanzón solo.
Su aportación rebasó el show. Impartió clases, improvisó en el patio de la ex escuela primaria Andrés Quintana Roo frente a un piano que no era de la calidad que esperaba, regaló y vendió CDs él mismo, se tomó fotos y gozó las calles. Con razón la crítica considera su obra magistral; lo es sin duda, pues se brinda a través de ella.
-Empecemos por la historia de su trío.
-Es un trío nuevo y diferente a lo que había estado haciendo durante 12 años con mis anteriores compañeros, Héctor Infanzón Quartet, conformado por Waldo Madera, en la batería, Armando Montiel en la percusión y Rodrigo Cárdenas en el bajo, con quienes venía haciendo un trabajo con composiciones mías, y con presentaciones en festivales tanto nacionales como internacionales; un trabajo que gustó muchísimo y se plasmó en un disco que se llama nos toca (2000), pero los muchachos hicieron compromisos con otros artistas, y se dio la coyuntura de que los tres se fueron de la ciudad. Waldo y Armando a Cuernavaca, y Rodrigo a Miami.
La separación coincide con la búsqueda de un trío más acústico, explica Infanzón, pues el cuarteto era mucho más explosivo, podríamos decir.
Este trío, precisa, es más íntimo porque así es la música que estoy componiendo actualmente, y estoy muy contento con haber encontrado a dos grandes músicos, como son Aarón Cruz en el contrabajo y Giovanni Figueroa en la batería/percusión.
-Desde luego usted exige en sus músicos un virtuosismo excepcional, al menos es lo que el público percibe, indudablemente, pero ¿cuáles son en sí los requisitos que deben cumplir?
-Son meramente musicales. Ser virtuosos, desde luego, pero lo importante es que ese virtuosismo tenga un concepto musical. Estoy buscando el color de la música mexicana –huapango- combinado con la música afro caribeña que he venido explorando conjuntamente con el concepto de música de cámara.
Esta idea me lleva a buscar músicos de calidad, que puedan responder inmediatamente a estas dinámicas y a la fluidez de ideas, y que puedan ejecutar la música que estamos haciendo de manera inmediata en los ensayos. Ellos responden perfectamente porque son muy buenos instrumentistas, además son muy jóvenes, eso me motiva, y hay una energía que se está refrescando ahí (en el escenario, los ensayos, las giras, etc.).
-Quizá esa energía es lo que le da un toque divertido a sus actuaciones. Me di cuenta que el escenario se ríen entre ustedes y manejan perfectamente el lenguaje de las señas.
-Es una comunicación visual que surge a partir de la música misma. Es como coquetearnos en el escenario. Nos miramos, me proponen algo y yo me voy por ahí, o al revés, yo propongo y ellos me siguen. Se amalgaman cosas que son espontáneas, porque aunque hayamos ensayado, aunque sepamos la manera en como hacemos los temas, siempre dejamos una parte al escenario. Hay, sin embargo, cosas ensayadas con muchísima precisión para que tengan, como te decía, la coloratura de música de cámara. Así es como concibo el jazz, aunque pueda ser libre (en esencia), pero para mí tiene un orden. La adrenalina fluye en el escenario, y eso nos divierte.
-¿Cómo y cuándo ensaya su trío?
-Nos reunimos un par de veces a la semana tengamos concierto o no. Revisamos el material que tenemos, ponemos nuevos temas, hacemos ensambles… exploramos sonoridades, o sea, orquestamos el trío, digamos. Me gusta mucho pensarlo como si fuera un ensamble orquestal. He tenido la oportunidad de trabajar con orquestas sinfónicas, y componer y hacer arreglos para algunas, por eso me gusta explorar toda la gama de coloraturas, timbres y matices, y es así como concibo el trío. Trabajamos muy meticulosamente estos aspectos, es muy divertido, la verdad.
Este trío tiene dos etapas. En diciembre del año antepasado (2003) nos juntamos para hacer una fecha en el Club de Jazz Papa Beto de México. Tenía ganas de probar este colorcito, meramente como una jam session. Los muchachos ya habían montado algo de mi música, hicimos un ensayo y salimos a tocar. Finalmente vino el Festival Internacional de Medellín al que no podían asistir mis compañeros del cuarteto, y entonces llamé a Giovanni y a Aarón y nos ponemos a ensayar intensamente para debutar allá y, bueno, fuimos la sorpresa del festival, puedo decirlo con mucho orgullo. La presencia de México gustó mucho. No obstante la presencia de gente muy reconocida: Dave Valentin, Dave Samuels, Chano Domínguez…
El pianista Héctor Infanzón (México, D.F., 1959) desde los 17 años ha dedicado su vida al piano. En esta entrevista nos cuenta cómo se enteró de la existencia de la Escuela Superior de Música, cuándo decide dedicarse al jazz, y qué ambiciones tiene como compositor. Entre tantos temas, habla, además, del esfuerzo triple que representa ser un músico de su talla con la responsabilidad de estudiar, mantener a la familia y crear ensambles, aparte de dedicarle una buena cantidad de horas diarias al Internet para estar al tanto de los circuitos internacionales del jazz.
-Leí en su breve biografía (El jazz en México. Datos para una historia, FCE, 2001) escrita por Alain Derbez que empezó a estudiar el piano a los 17 años. Un inicio bastante tardío para el virtuosismo que ha conseguido ¿no es cierto?
-Empiezo tarde porque yo venía jugando con la música desde muy chavo; en casa se vive todo el tiempo con música, mis papás oyen de todo tipo. Había instrumentos en la casa, mi papá tocaba varios: el tres y guitarra, arpa, violines. Así crecimos. Yo empecé a tocar la guitarra en la secundaria, y cuando entré al CCH vi a un muchacho que estaba con sus partituras y sus notas, y me dijo que estudiaba en la Escuela Superior de Música. ¿Y eso se enseña ahí?, le pregunté. En ese momento se me abrió un mundo nuevo. Yo no sabía que existía la Escuela de Música, y entré. Estaba en la República de Cuba, ahí en el Centro (Ciudad de México ).
Se me planteó la primera posibilidad de estudiar música en serio, -continúa- hice mi examen, me quedé en guitarra, pero a la semana probé piano y empecé las clases desde cero.
Después, cuando me di cuenta de lo que implica el instrumento me volqué a él. Para mí se acabaron las idas al billar, el futbol, que me encantaba, y todo por disfrutar el placer enorme de haber encontrado lo que sería mi vida. Sentarme horas al instrumento y explorarlo era lo más hermoso que me podía pasar.
-¿Y tenía piano en su casa?
-No, empecé con un organito chiquito que me prestó mi tía. Al año, mis papás hicieron un esfuerzo enorme y compraron el primer piano. Me acuerdo que costó 6 mil pesos, ¡una lana! Era el año 79, o por ahí. Por mí no hubiera hecho otra cosa aparte de dedicarme al piano. Sin embargo, mi mamá insistió en que acabara, así que tan pronto recibí mi última calificación salí y no volví más.
-¿A partir de cuándo se dedica de lleno al jazz?
-Paralelamente a mi formación académica estuve explorando la música popular. Empecé con la afro caribeña porque siempre me llamó mucho la atención, y hasta la fecha es lo que más hago. Después acompañé a muchos cantantes (Eugenia León, por ejemplo) y en algún momento, bueno, la evolución de mi propio gusto me llevó a explorar más la improvisación, y ésta me llevó necesariamente al jazz. De hecho ya lo venía escuchando. Es más, cuando mi papá llevó el primer disco de Oscar Peterson a casa, enloquecí. Entonces fue cuando dije que eso era lo que yo quería hacer en la vida.
Y, desde 1989, cuando formo el trío Antropóleo con Agustín Bernal y Toni Cárdenas hacemos como un taller, y empezamos a estudiar el bebop, aparte de todas las corrientes dentro del género del jazz, montamos temas y empezamos a probar todo lo que se nos ocurría. Creo que este trío marcó una época en el medio musical en México. Muchos chavos hasta la fecha tienen referencias de él, mientras que para nosotros fue un taller. Así me seguí, narra, hasta que en el 91 se desintegra este trío.
Posteriormente, explica, formo el cuarteto con Rodrigo Cárdenas (bajo), Waldo Madera (batería) y Armando Montiel (percusiones), y éste dura 13 años. Ahora estoy en una etapa diferente. Se refiere a la integración de su trío con Giovanni Figueroa en la batería y percusiones y Aarón Cruz en el bajo, con el que brindó una asombrosa actuación en el 2 Festival Internacional de Jazz en Mérida este abril en el Peón Contreras.
-¿Cómo ha ido madurando su obra compositiva?
-Afortunadamente ha evolucionado. Sigue teniendo el color de la música afro caribeña, pero no del tipo cubano, puertorriqueño o dominicano, sino mexicano. Cada vez lo veo con más claridad; cada vez identifico mejor mi propio color. La vena composicional la traigo ahí, y ahora le estoy dando mucho más prioridad, incluso.
Paulatinamente fui tocando menos standards para darle más cabida a mi obra. Siento que estoy diciendo lo que quiero decir, además de que sigo aprendiendo de los standards, claro, pero eso lo hago en casa. Mi obra es una extensión de cómo toco y si no la promuevo yo, ¿quién?, por eso cuando salgo al escenario toco pura obra original.
-Supongo que Impulsos (2004) es la culminación de ese trabajo personal al que se refiere, ¿es así?
-Sí, fíjate que este disco tiene la característica de que explora mi parte pianística y composicional al mismo tiempo; me gusta mucho por eso. Es de puras improvisaciones. Me puse a grabar y esto fue lo que salió.
-¿No escribe su música?
-Cuando compongo sí, pero en este caso no había nada escrito.
-Se sentó frente al piano y…
-Así es. Este disco lo hice mientras estaba dedicado la producción y los arreglos del último disco de Eugenia León (Tatuajes). Cada mañana, como por disciplina, improvisaba algo, y lo iba guardando. Al año y medio que terminé aquella producción lo saqué, y dije ¡diablos!, esto me gusta.
Fue bueno haberlo escuchado esas grabaciones en retrospectiva; me llevé una gran sorpresa. De repente tenía como tres horas y media de música grabada, y entonces escogí lo que me parecía más representativo de lo que soy ahora como pianista y como compositor, creo que en él se puede percibir bien de dónde vengo y para dónde voy. Es un parte aguas para mí mismo.
Hay cosas composicionales que si me las hubiera planteado quizá no las hubiera hecho, pero en cambio aquí están plasmadas. Cada vez que oigo este disco me asusta la idea de no haber llegado a grabarlo porque por años me la he pasado improvisando.
-¿Qué proceso sigue una obra suya? Pensemos en Funeral, por ejemplo ¿Cuando la escribió ya tenía el título?
-El proceso fue totalmente al revés (ríe). Los nombres vinieron después. Me acuerdo que cuando las guardaba (las obras) les ponía un nombre para identificarlas, y muchas tienen el nombre original; por eso el disco se llama Impulsos, porque todo respondía al primer impulso, a la primera idea.
Cuando escribí Funeral estaba un poco triste por circunstancias familiares; lo refleja ese tema. En tres meses sufrimos bajas considerables; se nos fueron seis gentes, por algo plasmé esos estados de ánimo.
Además, de repente, recibí la llamada de que un amigo, el ingeniero de sonido que me grabó el disco anterior (Rodolfo Cruz), fallece de cáncer y le dedico un tema que se llama Hasta pronto. Recuerdo que esa mañana tan pronto recibí la noticia, prendí la máquina, y compuse esto.
Lo que te puedo decir del proceso, entonces, es que no tenía melodías ni estructura previas, pero sí emociones.
-Comprendo. En Impulsos hay piezas que tienen cierto toque de música de cine.
-Quizá. Escucho mucha música de cine. Veo las películas dos o tres veces, no porque no la haya entendido, sino porque la veo en distintas etapas. La primera, para tener una impresión; después me concentro en la parte que me interesa, la música, y analizo cómo encaja en el contexto de la historia. Luego veo cómo está hecha y de qué se trata.
Así que tengo mucha influencia de la música de cine, reconoce. De hecho, explica, muchas de las emociones que llevo a la música son imágenes, aunque algunas son meramente virtuosísticas, desde luego, pero otras son mucho más reflexivas. Funeral es una de ellas. Uno de mis sueños es hacer música de cine, confiesa, y creo estar en el camino de poder hacerlo. Cuando tenga la primera oportunidad, por supuesto que la voy a tomar.
-¿Con la estructura del disco Impulsos pretendía armar algo semejante a una historia, o el hecho de poner un epílogo fue casual?
-No, ninguna historia. Es un epílogo a toda esta locura.
-Los títulos de las piezas, sin embargo, sí remiten a la consecución de experiencias, sensaciones, ideas…
-No es fácil captar estas cosas a primera instancia. Efectivamente, el disco tiene toda una parte autobiográfica. Se trata, realmente, de un disco autosonográfico. Yo creo que un musicoterapeuta me analizaría perfectamente escuchándolo. Si alguien quiere saber quién soy yo, que oiga esta música. Aquí está dicho cuáles son mis perspectivas como músico y también como persona. Cómo miro la vida, qué me gusta, qué me duele…
-Gilberto Pinzón planteó en la conferencia de Alain Derbez (en el marco del Festival Internacional de Jazz) que los jazzistas mexicanos deberían tocaran más regularmente la música de los compositores del país. Para lo cual se requiere editar urgentemente, según él, un libro de partituras de varios autores. ¿Qué piensa al respecto? ¿Sus partituras están disponibles?
-El planteamiento de mi colega es muy acertado. En mi caso, me estoy abocando a componer y promover mi obra, y creo que todos estamos en lo mismo. Por lo pronto, a mí me parece fundamental que ya hayamos conseguido dedicarnos a la obra personal, como es mi caso. Eugenio (Toussaint) y Enrique (Nery) están componiendo muchísimo, pero nosotros mismos tenemos que promover nuestra propia obra, ya que todavía no rebasamos la etapa en la que podamos pensar que la obra mexicana es tan basta como para prescindir de la norteamericana. Tan pronto se establezca la identidad de cada músico, en ese momento los demás van a empezar a buscar nuestra obra, seguramente.
Al final, con el compromiso de tocar unas horas más tarde, Héctor Infanzón habla de que el mundo corre muy rápido y, por fortuna, los amantes del jazz en México son cada vez más exigentes debido a que manejan mayor información.
En suma, reconoce, vivimos un buen momento. Nos toca hacer nuestros propios discos, expandir nuestra propia voz.
De Casiopea, no hay mucho que hablar, hay que mejor escucharlos. Son una banda de jazzfusión de origen japonés que nació en 1976 con el guitarrista IsseiNoro y el bajista TetsuoSakurai. El año siguiente se unieron el tecladistaMinoruMukaiya y el bateristaTakashiSasaki.
En el año de 1979 debutaron con su disco homónimo, el año posterior el baterista fue remplazado por JimboAkira. En los años siguientes sacaron varios discos además que salieron de gira por todo el mundo. En 1989 Akira y Sakurai dejaron la banda por diferencias creativas con Noro. Formaron una agrupación llamada Jimsaku.
YoshihiroNaruse toma el bajo y MasaakiHiyama la batería, para 1993 cambiarían de nuevo de baterista y entraría NoriakiKumagai. JimboAkira regresa a al agrupación en 1997 para varias colaboraciones. En 2006 IsseiNoro decide suspender la actividad de Casiopea hasta nuevo aviso.
Sin embargo, pese a la inestabilidad de la banda lograron publicar poco mas de 35 discos y viajar alrededor del mundo. Como digo, Casiopea no es para hablar de ellos, es para escucharlos...es una oportunidad de viajar a Japón a través del jazz.
El jazz japonés es sumamente raro, puede estar fuertemente influenciado por su cultura o puede ser una versión oriental del occidente. YutakaYokokura califica en éste último. Es un pianista e intérprete del tradicional koto japonés.
Yutaka inicia su carrera con clases de piano a los 4 años de edad, con el paso de los años su interés por la música brasileña fue en aumento hasta que tuvo la oportunidad de liderar su propia banda que se inspiraba mucho en el sonido de Sergio Mendes.
Para sus 22 años viajó a Estados Unidos, a Cal StateLongBeach. Ahí tocó con Hiroshima que, irónicamente, lo sacó a la luz para el público japonés. A los 28 años publica su primer trabajo titulado LoveLight ya con el reconocido productor DaveGrusin.
Diez años mas tarde, y tras largas horas en estudio saca a la luz Yutaka, su segundo álbum donde ya cuenta con la colaboración de Abe Laboriel(¿suena conocido el apellido?si...es el hermano de JohnnyLaboriel) Paulinho da Costa, Oscar Castro-Neves y hasta el mismisimo Sergio Mendes. Para 1990 lanzaBrazasia, repitiendo mucha de la alineación de músicos de estudio que convocó para Yutaka.
YutakaYokokura es una oportunidad para disfrutar un tipo distinto de jazz, sumamente espiritual, sumamente deleitable. Es una oportunidad de fusión entre la cultura nipona y carioca. Entre el berimbau y el koto. Desafortunadamente el trabajo de Yutaka no es muy conocido y no hay mucha difusión pero si les interesa estaré subiendo un par de discos.
Corinne cuenta con una carrera excepcionalmente corta que contrasta con el enorme éxito y calidad de su música. Su historia comienza en su infancia, con clases de violín. Pertenecía al coro de la iglesia donde acudía y eso le fue abriendo el horizonte para sus habilidades de canto. Los años pasaron, Corinne y sus dos hermanas menores fueron víctimas de racismo en su natal Leeds, en Inglaterra donde se les tachaba de Pakistaníes por sus rasgos. Lo cierto es que esa apariencia se debe a que su padre era del caribe.
Ya en su adolescencia Corinne forma una banda de indie-pop llamada Helen con la que logran un contrato de grabación con RoadrunnerRecordsUK pero el embarazo repentino de una integrante detuvo la grabación y nunca se concretó. El grupo estaba fuertemente influenciado por bandas femeninas como VeruccaSalt y L7, Corinne consideraba que las chicas en guitarra eran muy sexys.
Tiempo mas tarde entró a la Universidad de Leeds a estudiar letras inglesas, para pagar sus estudios tocaba por las noches en un bar local en el que se frecuentaba el jazz. Ahí conoció al saxofonistaJason Rae con el que se casó en el año 2001. Durante este tiempo Corinne escribe temas para su álbum debut que sale a la luz en el 2006. Según la crítica uno de los mejores albumes del año además que es la cuarta británica en llegar al #1 con un álbum debut.
El disco homónimo de Corinnealcanzó el Top 10 alrededor del mundo, pero la muerte de su esposo causada por una supuesta sobredosis en 2008 la separó del mundo musical por una temporada.
En febrero de éste año lanzó The Sea su segundo disco que muestra una Corinne mas madura en lo musical, un poco nostálgico pero de una excelente calidad.
Ojalá puedan ver la nueva versión del video solo que EMI desactivó la inserción del video... http://www.youtube.com/watch?v=YontwjEwCWY
La verdadera calidad se demuestra en vivo, en acústico...
La búsqueda expresiva tiene mucho que ver con la exploración de las necesidades y los impulsos más íntimos y, buscando el eco de esos sentimientos en el trabajo de algunas mujeres poetas, para este proyecto quise reunir voces de distintas épocas y procedencias, cantando sus amores, sus emociones, sus pesares y sus miedos. Tomé un par de poemas de Florencia Pinar, española del siglo XV. También recorrí los cancioneros de la España renacentista que han guardado las voces de mujeres anónimas. Sor Juana Inés de la Cruz ha estado presente en mis proyectos anteriores y ahora da título al disco a través de uno de sus versos. Finalmente, la poesía femenina mexicana del siglo veinte se escucha en las voces de Pita Amor, Enriqueta Ochoa, Carmen Villoro, Silvia Eugenia Castillero y Leticia Villagarcía. Jaramar
Participantes: • Música de todos los temas: Alfredo Sánchez Gutiérrez • Producción musical y arreglos: Alfredo Sánchez Gutiérrez • Arreglos de percusión: Héctor Aguilar • Colaboración en arreglos de cellos para "En el vergel": Mario Rivas • Producción Ejecutiva: Edmundo Navas, Alfredo Sánchez y Jaramar Soto • Masterización: Juan Switalsky • Editado por Opción Sónica 2002
Un conjunto de canciones tradicionales de México y otros países de América Latina. Acerca del título de este disco Jaramar ha dicho: "Este disco tiene mucho que ver con la tierra, con los orígenes, con la música tradicional, con las raíces, pero tambien con la imagen de las flores, que pueden ser flores secas que caen sobre la tierra o flores que están surgiendo de ella. La tierra es la fuente de vida, de fertilidad, pero es también la que acoge los cuerpos cuando llegan a su fin. Es la tierra la que guarda las memorias, los recuerdos, las tradiciones y es también una fuente de donde surge la nueva vida.
Participantes: • Alfredo Sánchez (secuencias, teclados, guitarra,laúd, voz) • Emiliano Huerta(percusiones) • Héctor Aguilar(percusiones) • Miguel Angel Gutiérrez(guitarra) • Mario Alberto Rivas(cello) • Productor: Alfredo Sánchez. • Productor ejecutivo: Edmundo Navas • Fotografías: Rubén Orozco • Diseño: Avelino Sordo. • Grabado en casa por Alfredo Sánchez • Mezclado en E.S Estudio por Raúl Cuevas • Editado por Opción Sónica en 1998.
Tracklist:
• Las canastas (anónimo) • Malagueña (anónimo) • Llorona (anónimo) • Caras lindas (anónimo) • El pescador (Lorenzo Barcelata) • Tonadas de ordeño (Antonio Estévez) • Corazón maldito(Violeta Parra) • La ixhuateca (anónimo) • Ay amor (Ignacio Villa) • Casa en el aire (Rafael Escalona) • Flor de azalea (Z. Gómez Urquiza / M. Esperón) • Rayando el sol (anónimo)
Mas que un aporte para descubrir, este es un aporte para recordar. Dedicado a Gise.
BillEvans es de esos músicos dentro de la escena del jazz que es forzoso mencionar. Su estilo es tan único que podemos recordarlo encorvado sobre su piano, y podemos reconocer fácilmente su interpretación en una pieza. Uno pensaría que un pianista tan talentoso no tiene limitaciones para interpretar cualquier estilo pero BillEvans siempre se definió como incompetente para tocar swing y otros estilos derivados de ritmos africanos (muy complejos, según él).
Lo cierto es que sus aportaciones al cooljazz y al jazz modal tuvieron repercusiones en titanes como Miles Davis con quien trabajo en su sexteto durante seis meses. Su huella la podemos escuchar en la interpretación de Davis de KindofBlue, en el disco que lleva el mismo nombre, en el que el estilo de Evans domina al explosivo e impredecible Davis.
La carrera de Evans esta plagada de colaboraciones e interacciones con músicos y compositores de diversas corrientes del jazz, como una especie de encuentro simbiótico Evans dejaba marca pero también resultaba influenciado. BillEvans muere el 15 de septiembre de 1980 debido a una insuficiencia hepática que se complicó por una hemorragia interna, provocada por su adicción a la heroína y cocaína.
¿Discos de BillEvans? Muchos, demasiados. ¿Los importantes? Es cuestión de gustos en realidad. Les dejo un par de discos lanzados por él y un par de recopilatorios que a mi parecer concentran lo mejor de BillEvans seguido de unos videos para su disfrute junto a una copa de vino, un tabaco y buena compañía.
NewJazzConceptions
EverybodydiggsBillEvans
Portraitsinjazz
WaltzforDebby
Para Gise, por que siempre seremos corazones torpes, pero amorosos...
Con dediación especial para Endi que nos pidió este disco :D Este disco está compuesto por catorce canciones de amor, la mayoría cantos judíos sefaradíes y otros que provienen de textos virreinales musicalizados por Alfredo Sánchez. Como en el amor, las canciones del disco transitan entre la pena y el gozo, de ahí el título. La grabación se realizó con una beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Participantes: • Alfredo Sánchez (teclados, secuencias, guitarra, laúd, voz y percusiones) • Eduardo Arámbula (zanfonas, flautas de pico, cromornos y arpa gótica). • Productor: ALFREDO SÁNCHEZ. • Fotografías: Rubén Orozco • Diseño: Avelino Sordo. • Grabado en Estudios Mix por César Herrada. • Mezclado por Sergio Naranjo. • Editado por Grabaciones Lejos del Paraíso en 1992 y distribuido por Opción Sónica.
CANCIONES:
• Liras de Nezahualcóyotl (Fernando de Alva Ixtlilxóchitl / A. Sánchez)
• A la una yo nazí (anónimo)
• Puncha puncha (anónimo)
• Novia de la cara blanca (anónimo)
• El sol, la luna, el alba y el lucero (Bernardo de Balbuena / A. Sánchez)
El bajo ha sido un instrumento relativamente nuevo en ser protagonista en el universo musical, en muchas piezas de jazz podemos escuchar a contrabajistas tejiendo sus notas pero el bajo eléctrico en el mundo contemporáneo siempre fue un instrumento de acompañamiento.
John Francis Anthony Pastorius III nació el 1 de diciembre de 1951, muy joven se mudó a Fort Lauderdale donde empezó a tocar en distintas bandas escolares. Originalmente empezó en la batería pero tras sufrir un accidente jugando tuvo que intercambiar posición con el bajista de su banda. Empezó a explorar el instrumento removiendo de forma artesanal los trastes del bajo (los bajos fretless eran muy raros en la época, y cambió también el tipo de entorchado en las cuerdas de su bajo para lograr un sonido muy especial. (Su bajo era un Fender Jazz Bass de 1954, Fender tiene un modelo especial conmemorativo a Jaco).
De Jaco Pastorius el mundo empezó a conocer hasta la grabación de Bright Size Life, excepcional disco junto al guitarrista Pat Metheny que captó la atención del mundo del jazz y de sus colegas bajistas.
Fue bajista durante algún tiempo de Blood, Sweat & Tears y un par de años mas adelante grabaría su primer disco homónimo. Esta grabación es un parteaguas en el mundo del jazz por su impecable técnica y estilo. Aquí una pieza junto a Joni Mitchell.
Jaco mas de una vez hizo énfasis en su fanatismo por Weather Report y durante mucho tiempo persiguió a Joe Zawinul, líder de la banda, para que lo aceptara como el bajista. Al salir Alphonso Johnson de Weather Report Jaco tomó inmediatamente su lugar. De 1976 a 1981 Jaco y Weather Report tuvieron sus mejores años que quedó constatado en varias grabaciones.
A mediados de la década de los 80 Jaco fue diagnósticado con el transtorno maniaco-depresivo. Las medicinas lo adormilaban y le entumían los dedos así que Jaco dejó de tomarlas, esto derivo en actitudes erráticas que lo llevaron a convivir en la calle con vagabundos y mendigos. Podía ir de la absoluta euforía a la depresión en cosa de segundos.
Jaco fue encarcelado por robar un carro y fue liberado el 11 de septiembre de 1987. Fue a intentar sabotear un concierto de Carlos Santana donde el exbajista de Weather Report, Alphonso Johnson, tocaba. Le pidieron que se retirara, en completo estado de ebriedad intento sabotear otro concierto en un bar de la zona. El manager de lugar, experto en artes marciales, le propinó tal golpiza que le reventó el cráneo y lo dejó en coma. Tras 10 días de lucha en el hospital Jaco muere el 21 de septiembre de 1987.
Pero el legado que Jaco dejó a las generaciones posteriores es inmenso. La experimentación y exploración del instumento sigue marcando a muchos bajistas hoy en día. Su hijos Julios y Felix Pastorius tomaron los pasos de su padre y han demostrado gran talento para el bajo, esperemos en unos años escuchar mucho mas de ellos.
VictorLemonteWooten, nacido el 11 de septiembre de 1964 es un virtuoso del bajo. Podría chutarme toda su biografía haciendo énfasis en que empezó a tocar el bajo a los dos años y sobre BelaFleck & theFlecktones. También podría describirles la asombrosa habilidad y talento que tiene. VictorWooten es el resultado de años de experimentación en el bajo que iniciaron con JacoPastorius y continuaron años adelante con StanleyClarke.
VictorWooten domina todas las técnicas que existen para un bajista. El no se limita a hacer un pull & slap, él hace varias pasadas en cada movimiento de su mano. El no hace un simple tapping sobre las cuerdas, hace intrincadas melodías que parecieran salidos de un piano. Lo hemos visto incluso haciendo acordes con un bajo lo cual es sumamente raro y complicado. Es un espectáculo visual y es un deleite para los oídos.
Tal es su dominio con el instrumento que junto a varios bajistas de también excelente nivel ha formado agrupaciones donde el bajo es el instrumento clave tal como Bass Extremes junto a SteveBailey y recientemente S.M.V. junto a StanleyClarke y MarcusMilles. Su labor musical no se limita a su experiencia, Wooten da clínicas en todo el mundo.
Sobre su discografía podría personalmente recomendar tres grabaciones que ya reflejan una madurez musical:
Whatdid he said? (1997)
YinYang (1999)
Palmystery (2008)
Y junto a S.M.V. un excelente disco:
Thunder (2008)
Pero un video de YouTube dice mas que un millón de palabras así que les dejo unos para que juzguen por ustedes mismos:
Existen varios motivos para impulsar un festival de este género en el centro de una de las urbes más grandes del mundo, uno de ellos es que "la música corre por las venas de esta ciudad". El jazz es un movimiento que viene resurgiendo de una nueva forma desde hace 10 años en la ciudad de México, aproximadamente, para filtrarse como parte de esta nueva identidad mexicana. Por este motivo, El Convite (organizador principal del JAZZBOOK.0) relaciona el jazz, la caricatura y la literatura.
Este festival pretende evidenciar la vinculación que existe entre la lectura y la música, y ¿por qué no? Un cafecito... Los autores de las grandes novelas, aquellos personajes que surgen de la imaginación y se instalan como parte de nuestro acervo cultural, muchas veces son inspirados o acompañados por aquella música: el jazz. Así como también tendrán lugar dentro de este festival los caricaturistas Juan Alarcón (El Financiero), Magú (La Jornada), Rictus (El Reforma) Tacho, Kabeza y Manjarrez, el invitado especial Fernando Rivera Calderón. El moderador será Víctor Roura. Así como dice el dicho popular: "de música, poeta y loco, todos tenemos un poco...".
La cartelera estará compuesta por grandes figuras del Jazz Mexicano: Iraida Noriega, Beaujean Project, Israel Cupich Quinteto, Brainkiller, Pepe Morán Quartet, Enrique Nery. En la parte literaria, la gente que escribe y habla del jazz: Froylan López Narváez, Antonio Malacara, Germán Palomares Oviedo, Oscar Adad, Erick Montenegro y Javier Quirarte. La organización y la programación del Festival JAZZBOOK.0 corre a cargo de El Convite.
Este festival tendrá lugar en el "café literario Carlos Montemayor" dentro de la feria del libro ubicado en la plancha del Zócalo en la esquina de 16 de septiembre y 5 de febrero los días viernes 08, sábado 09, domingo 10, viernes 15, sábado 16 y domingo 17 de Octubre. Dando inicio a las 7:30 pm hasta las 9:00 pm.
Una colección de canciones en distintas lenguas antiguas: latín, provenzal, galaico-portugués, alemán, francés y zapoteca. "Lenguas" es también un conjunto de distintos códigos sonoros y expresiones con diferentes colores y texturas. Participantes: • Alfredo Sánchez (teclados, secuencias, laúd, dulcimer, guitarra, voz) • Miguel Angel Gutiérrez (guitarra, laúd) • Emiliano Huerta (percusiones) • Eduardo Arámbula (flauta, zanfona, rabel, cromornos) • Jorge Luis Gaitán (violín). • Productor: Alfredo Sánchez. • Productor ejecutivo: Edmundo Navas • Fotografías: Rubén Orozco • Diseño: Avelino Sordo. • Grabado en Oigo Estudios. Mezclado en Estudios Churubusco Azteca • Ingeniero de grabación y mezcla: Alejandro Colinas • Editado por Opción Sónica en 1998.
Tracklist:
• Sic mea fata (anónimo) • Soufres, Maris, et si ne vous anuit (anónimo) • Palästinalied (Walter von der Vogelweide) • Muito devemos varoes (Alfonso X) • En el jardín de la reina (anónimo) • A'har noghenim (anónimo) • Dulce solum (anónimo) • La tortuga (anónimo) • Ja nus hons pris (Ricardo Corazón de León) • Farai un vers (Guillermo IX de Aquitania) • Sandunga (anónimo) Compare y encuentre el mejor precio del CD "Lenguas"
Incluye cantigas anónimas sefaradíes, musicalizaciones de poemas de escritores mexicanos del virreinato, y música antigua española de los siglos XI al XV. Este proyecto es también una fusión de textos antiguos con nuevos arreglos. Fue grabado gracias a una beca del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes del Estado de Jalisco
Participantes: • Alfredo Sánchez(teclados, secuencias, dulcimer, guitarra, voz y percusiones) • Eduardo Arámbul(flautas, cromornos, zanfonas,arpa gótica) • Miguel Angel Gutiérrez(guitarra).
• Productor: Alfredo Sánchez. • Fotografías: Rubén Orozco • Diseño: Avelino Sordo. • Grabado y mezclado en Oigo Estudios por Arturo "Tuti" Perales • Editado por Grabaciones Lejos del Paraíso en 1995 y distribuido por Opción Sónica.
Tracklist: • Amor con fortuna (Juan del Enzina) • Rosa das rosas (Alfonso X) • Yo m'enamorí (anónimo) • Hija mía (anónimo) • La prima vez (anónimo) • La serena (anónimo) • Un deseo lleno de impaciencia santa(Juand de Palafox / A. Sánchez) • Fingir que duermo I(Bernardo de Balbuena / A. Sánchez) • Toda mi vida hos amé (Luys Milán) • Las galeas (anónimo) • Esta montaña d'enfrente (anónimo) • Fantasía (Sor Juana Inés de la Cruz / A. Sánchez) • Romance del enamorado y la muerte (anónimo) • Por la tu puerta (anónimo) • Fingir que duermo II
